A Gagner sur ce concours :

• 1 x 2 places pour le concert de The Voice à Rouen
• 2 bracelets The Voice

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Les gagnants sera contacté le  1 Juin.

Le concours prendra fin le 31 mai à 23h59. Maintenant, c’est à vous de jouer !

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Mais en réalité, c’est Vincent Weymiens et Yves Ghiot, chanteur reconnu en Belgique et qui a déjà produit un album grâce à Aka Music (un simili de My Major Company) qui se cachent derrière ces personnages loufoques.

A voir et à partager d’urgence !

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L’adaptation du livre est brillante : les objets qui prennent vie, la petite souris (personnage à part entière dans le livre) jouée par un acteur en chair et en os, les rayons de soleil matérialisés, des inventions fabuleuses ( le téléscope-minitel ) et un humour rempli de jeux de mots, tant fidèles à Boris Vian que Michel Gondry a su exploiter plus profondément. Car, ne nous méprenons-pas, malgré une patte bien reconnaissable et une approche personnelle de l’histoire, cette adaptation est des plus fidèles au livre : Pour les plus sceptiques , qui douteraient encore de l’adaptabilité cinématographique du roman, il faut savoir que l’Écume des Jours est un livre à plusieurs lectures possibles. Et ça n’est pas tant l’histoire en elle-même qui nous marque, mais ses détails surréalistes et parfois saugrenus qui nous ont tant amusés, certains d’avantage que d’autres. En cela, Michel Gondry nous fait donc partager sa propre lecture, son ressenti personnel de l’histoire : Mais qui ne s’est pas également étonné devant Colin se coupant les paupières pour avoir un regard plus « mystérieux » ? qui n’a pas ri devant la chasse à l’anguille dans les tuyauteries de l’appartement de Colin ? Évidemment, il est difficile d’introduire tous les éléments surréalistes du livre dans un film, tant ils sont riches et infinis, mais le résultat, aussi restreint soit-il est réalisé avec une beauté et une maîtrise impeccable. A un point tel que l’on n’imaginait finalement pas cette scène-là autrement.

Pour ce qui est de l’exercice de style, la plus grosse réussite est sans doute la scène du Biglemoi ( danse imaginée par Boris Vian ), hilarante et extrêmement bien visualisée, ainsi que la prouesse technique que constitue la confection du Pianocktail. La musique ambiante, quant à elle, concorde également avec l’univers du livre, musique jazzy interprétée par Duke Ellington, dans un Paris entre deux âges, en dehors du Temps. Des voitures futuristes, des costumes rétro Sixties entourent nos fabuleux acteurs. La belle brochette des stars montantes (Omar Sy, Charlotte Le Bon, Aïssa Maïga ) et de ceux qui ne sont plus à présenter ( Romain Duris, Audrey Tatou, Gad Elmaleh) fusionne tel un beau mélange, même si c’est évidemment le couple de Chloé et Colin qui nous fait rêver. D’autres interprétations sont, elles, brèves, mais intenses ! comme l’irrésistible Alain Chabat en Gouffé, ou Michel Gondry, Himself.
Enfin -mais non des moindre-, le cynisme morbide dont fait preuve Vian dans chacune de ses œuvres empêche au film, la faute de goût de n’être qu’un vulgaire drame familial larmoyant. L’histoire, -et donc le film- qui s’interdit une telle fin bateau est bien au dessus de tout ça. Et c’est en cela, que le film se boucle avec maestria ! De la poésie et une critique virulente de la société : de ses mœurs, de l’Homme et ses éternelles faiblesse ( la vulnérabilité face à la maladie, l’infidélité, l’addiction maladive à toutes sortes de drogues…). Nous tenons là une histoire à la fois extra et ordinaire , réalisée par un grand Illusionniste qui dépasse les codes du cinéma, en nous offrant un Spectacle comme le 7e art n’en avait pas vu depuis longtemps. Une réussite. Magique.

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Sing Party, LE premier jeu de karaoké de la Wii U, et toujours le seul pour le moment ! On ne compte plus les karaokés sur Wii … U-Sing, We Sing, et on en passe … Cependant, des tas de personnes attendaient de chanter sur la nouvelle console de salon de Nintendo, à savoir la Wii U, et découvrir de nouvelles manières d’intéragir avec son public grâce au Wii U GamePad. Mais malheureusement, le résultat est plutôt décevant.

Le gros point fort de ce nouveau karaoké sur Wii U, c’est bien entendu sa tracklist. Avec une cinquantaine de morceaux variés, elle ne se limite pourtant pas à des chansons « du moment », et propose des styles musicaux bien différents. Ainsi, il est possible de s’amuser sur du Queen, LMFAO, Miley Cyrus ou encore Gloria Gaynor et même Franck Sinatra ! Le gros défaut de cette tracklist est qu’elle est composée exclusivement de morceaux anglais … un petit bémol car chanter dans la langue de Shakespeare n’est pas forcément évident pour tous.

Dans un premier temps, l’aspect visuel du jeu est totalement négligé. Alors que la quasi totalité des karaokés nous propose les clips originaux des chanteurs, Sing Party laisse défiler les paroles des chansons dans des décors colorés, qui ne respectent pas forcément le style de la musique que l’on est en train d’interpréter, mais c’est un détail … De plus, les modes de jeu que nous propose le jeu se comptent sur les orteils d’un pied,  c’est un manque cruel d’originalité qui se fait ressentir, et c’est catastrophique à l’heure ou la Wii U peine à avoir une killer app ! On peut chanter en duo, se passer le micro … c’est du réchauffé, et cela se ressent terriblement. Le mode fête quant à lui, qui doit transformer votre salon en une discothèque n’atteint malheureusement pas du tout son objectif. Seuls les chanteurs disposent des paroles via le GamePad, et les instructions pour le public sur la télévision ne remplaceront jamais les délires entre potes.

Pour le chant à proprement parlé (oh le jeu de mot), Sing Party détecte clairement votre voix, et les points finaux, basés sur le talent, la puissance et la justesse sont plutôt corrects. La jauge de hauteur est une aide précieuse pour caler votre voix le plus possible sur la musique, et la tonalité du morceau permet de chanter deux mélodies différentes en duo. Selon la performance effectuée, des points peuvent être gagnés pour débloquer des succès et passer des niveaux. A l’heure où le Miiverse est extrêmement présent sur cette console, et le tout connecté sur cette génération, on aurait aimé pouvoir partager nos expériences grâce à des vidéos ou encore des photos … mais niet ! Sing Party ne propose pas une expérience magnifique, et sera vite oublié dans le flot des nombreux karaokés qui vont voir le jour sur Wii U. Malgré son excellente tracklist, bien qu’uniquement en anglais (et c’est dommage !)

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Il vous est possible de retrouver l’ensemble des dates de cette tournée sur le lien suivant : http://www.tf1.fr/the-voice/the-voice-tour/

Mais en plus, à cette occasion, Cenoctet.com vous proposera, dans le courant de la semaine, de gagner 2 places pour le concert de The Voice qui aura lieu à Dunkerque, le samedi 1er Juin.

En attendant, vous pouvez toujours suivre l’émission le Samedi soir à 20h50, et toujours présenté par Nikos Aliagas.

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Dans tous les cas, les deux versions de ce personnage vont très certainement se croiser dans X-Men: Days of Future Past. En effet, selon l’intrigue des comics du même nom, les X-Men d’un présent alternatif vont avertir leurs semblables du passé de la menace qui les guette: si le sénateur Robert Kelly est abattu par un mutant, comme cela est arrivé pour eux, tous les mutants seront chassés un par un afin d’éradiquer ce que le monde appellera « la menace mutante ». Avec un scénario pareil, on peut facilement penser à la réunion entre les deux versions de plusieurs personnages; mais pour l’instant, en plus des deux acteurs incarnant Charles Xavier, seuls quelques acteurs ont été confirmés, notamment Michael Fassbender (Magneto du passé), Ian McKellen (Magneto du présent), Jennifer Lawrence (Mystique du passé), et Hugh Jackman (Wolverine, toutes époques confondues). Bryan Singer a aussi révélé que le français Omar Sy ferait partie du casting; une annonce qui en avait étonné plus d’un, surtout que son rôle n’a pas encore été annoncé.

Quoiqu’il en soit, X-Men: Days of Future Past est prévu pour le 16 juillet 2014; et si vous ne pouvez pas attendre si longtemps avant de replonger dans l’univers X-Men, n’oubliez pas que The Wolverine: Le Combat de l’Immortel sortira sur les écrans le 24 juillet prochain.

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On peut lui préférer les romans de Robert E. Howard, ou même le film Conan le Destructeur, plus fidèle aux livres sur certains points, mais on ne peut nier le rôle majeur qu’à eu Conan le Barbare sur la culture cinématographique, et l’impact qu’il a eu sur beaucoup de spectateurs. Considéré par certains comme un gros nanar mettant uniquement en avant les muscles de Schwarzy, le film est bien entendu plus que cela. Au delà d’un simple film de vengeance ; les parents de Conan ayant été abattus sous ses yeux alors qu’il n’était qu’un enfant ; c’est une véritable mythologie qui est mise en place et qui prend vie sous nos yeux. Bien sûr, tout vient des romans à l’origine, mais n’importe quel fan de fantasy de nos jours sait qui est Crom sans pour autant avoir lu les les livres, ou même vu le film. Plus qu’un simple divertissement, la force du film, malgré ses défauts, est d’avoir pu mettre en image l’un des premiers grands films de fantasy moderne, qui ne se vante pourtant pas de ce titre. Et pourtant, tout les ingrédients sont là : des scènes de combats aussi guerrières qu’épiques, une mythologie propre à l’univers, de la magie, et même des créatures imaginaires. On se retrouve donc face à un vrai film de genre, même si ce n’était peut-être pas sa volonté première, qui trente ans après demeure encore une référence.

On doit cela à John Milius, réalisateur et co-scénariste (avec Oliver Stone) du film. Vous savez, John Milius, à qui l’on doit le génial mais méconnu Big Wednesday, ou encore une partie du scénario d’Apocalypse Now. Aussi connu pour ses opinions politiques en tant que conservateur et son amour pour les armes que pour son travail au cinéma ou à la télévision, ses idées se retrouvent dans son cinéma, et s’il y a bien un film auquel cela convient parfaitement, c’est bien Conan le Barbare. Concentré de violence guerrière, le film ne ménage pas le spectateur en lui offrant des scènes de combats aussi violentes que spectaculaire. La brutalité du barbare n’a finalement d’égal que l’impitoyable cruauté du sorcier maléfique Tulsa Doom. Et pourtant, alors que le film commence sur un massacre, il continue sur l’éducation de Conan, entre violence et découverte forcée du sexe, et l’ensemble est un brin longuet à démarrer au point d’avoir des doutes sur la qualité du contenu. Ce n’est finalement que pour mieux mettre en avant la suite que ce commencement un peu long est nécessaire. Au fil de son parcours, on comprend mieux le personnage. Ainsi, lorsqu’une scène potentiellement émouvante arrive, on est touché, et quand une scène de combat approche, on y rentre à fond. A noter que le côté épique du film ne tient pas que par son image, mais aussi et surtout grâce aux compositions monumentales de Basil Poledouris, qui signe ici ses thèmes les plus impressionnants. Encore aujourd’hui, aucun thème n’est plus épique que le fameux Battle of the Mounds, utilisé à plusieurs reprises dans le film. Vous le connaissez tous, même si vous n’avez pas vu le film. Il est tellement connu que Nintendo s’en est même servi à deux reprises, pour présenter les deux jeux de la saga The Legend of Zelda les plus épiques justement. La première fois, en 1998, pour la pub télévisée d’Ocarina of Time (puis en 2011 à nouveau pour sa version 3DS), et à l’E3 2004 pour le trailer qui annonçait Twilight Princess. Quand on dit que Conan le Barbare a marqué plusieurs générations, ce n’est pas juste pour vanter les mérites du film.

Pionnier d’un genre qu’il ne revendiquait pas, Conan le Barbare demeure une référence, tant dans le cinéma que dans la fantasy. On peut ne pas aimer, le film a bien sûr des défauts, mais son empreinte est toujours visible plus de trente ans après. Qui n’a pas pensé à ce film au tout début de The Hobbit, lorsque les nains d’Erebor forgent les métaux ? Si la référence ne se veut pas évidente, il est clair que l’impact de Conan se ressent dans cette scène, comme dans tant d’autres du film, ou de bien d’autres productions. Si pour certains, le film ne restera qu’un simple produit à la gloire d’un Arnold Schwarzenegger au succès débutant, il est impossible de se voiler la face et de ne pas admettre que Conan le Barbare est une œuvre qui a marqué autant un genre qu’un public. Malgré ses défauts, c’est toujours un plaisir de voir ou revoir le film, et ça, c’est bien la marque des grands.

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A Gagner sur ce concours :

• 1 code pour télécharger le jeu Far Cry Blood Dragon sur PC

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Le gagnant sera contacté le 18 mai.

Le concours prendra fin le 17 mai à 23h59. Maintenant, c’est à vous de jouer !

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Lorsque Sam Raimi (réalisateur de la trilogie Spider-Man, ou récemment du Monde Fantastique d’Oz) s’attaque à son premier film, il a à peine vingt ans. Film à petit budget, plus ou moins auto-produit avec l’aide de ses potes, le projet met quasiment trois ans à aboutir. Au final, on découvre un jeune réalisateur très talentueux et très prometteur, un jeune acteur à l’avenir s’annonçant radieux, mais surtout une pépite du film d’horreur, à la fois malsain, glauque, gore de façon outrancière, dérangeant, et avant tout réellement effrayant. Regarder ce film avant de se coucher, c’est la nuit blanche assuré. Après deux suites, la licence, laissant l’espoir d’une suite, n’est pas revenue sur les écrans depuis vingt ans. Alors qu’un quatrième opus devrait se faire avec Sam Raimi aux commandes, un film plus ou moins remake vient de voir le jour, produit par Raimi lui-même. C’est le réalisateur uruguayen Frede Alvarez qui est derrière la caméra et au scénario. Se revendiquant comme le renouveau de la peur au cinéma, les premières bande-annonces laissaient entrevoir un film d’horreur hardcore qui aurait de quoi filer les jetons même aux plus téméraires. On reprend la base principal du premier film : un groupe de cinq jeunes, trois filles et deux garçons, sont en week end dans une cabane en plein milieu d’une forêt, et suite à la découverte d’un livre maléfique, ils réveilleront les morts. Tout semble bien parti jusque là, et pourtant…

Ce remake est plus une nouvelle version, une refonte à partir d’une idée, plutôt qu’un copier coller du film original. La bande d’amis est d’ailleurs plus travaillée dans les relations qui les unit, un frère et une sœur étant même présents. L’idée est d’ailleurs originale, ce ne sont pas des vacances que ces jeunes fanfarons prennent, ils essayent de s’éloigner de la civilisation pour que l’une des protagonistes réussisse son sevrage. Bonne idée, puisque les élucubrations maléfiques du personnages pourront être pris pour des sensations de manque. Bonne idée, oui, mais rapidement elle va être mal ou sous exploitée, alors qu’il y avait de quoi faire réellement un bon film avec ce sujet, mélangé à l’horreur. Tout commence plutôt bien, certains plans posés sont magnifiques, avec des lumières splendides, et rappelleraient les meilleurs moments du cinéma fantastique, ou des tableaux romantiques, mais on sent pourtant que quelque chose cloche. Le livre est découvert, l’horreur peut commencer. Et rapidement, on se rend compte que l’on a affaire à un pétard mouillé. Perdue en forêt, la jeune fille qui essayent de fuir va participer à des scènes vues et revues du cinéma d’horreur, et qui n’ont plus aucun intérêt ni d’impact de nos jours. Alors que l’ennui a de quoi gagner le spectateur, l’un des scènes les plus cultes de The Evil Dead arrivent sur les écrans : celle du viol par un arbre. Aussi dérangeante que malsaine en 1981, elle devient ici totalement ridicule, et surtout dénaturée de par sa façon d’être, qu’on évitera de vous dévoiler. Comme dans le film original, devenue possédée, la jeune fille va péter son câble et essayer de tuer tout le monde. L’horreur, la vraie, la voici.

Oui, parce que ce film est une horreur, et à partir de ce moment, on va atteindre un point de non-retour. Alors qu’en 1981 les personnages possédés arrivaient à terrifier, du fait de leurs rires glauques et glaçants, ou bien du fait de cette comptine malsaine qui a dû en traumatiser plus d’un, ici, on a le droit au summum du ridicule. Avec une voix rauque et autotunée, les possédés crient des phrases aussi absurdes et faussement menaçantes (« Vous allez tous mourir »), que grossières et dignes de L’Excorciste. « I will suck your cock in hell », qu’on ne traduira pas, est un des exemples les plus parlant. Ce qui effrayait en 1973 dans un contexte précis est ici tellement en décalage avec ce que l’on attend que cela en devient risible, pour peu que l’on aie pas envie de pleurer devant un tel spectacle. La suite, puisque le film ne fait finalement que commencer, n’est qu’un slasher sans âme, pas mal réalisé, mais sans aucun génie ou effet intéressant. On pompe sans scrupule dans les deux premiers Evil Dead, on ressort plus ou moins les mêmes séquences ou thèmes, arrangés à la mord moi le nœud, et hop, on fait comme si c’était bien. C’est très gore, et pourtant, ce n’est même pas réellement choquant ou répugnant, c’est juste gore, sans plus. On attendait plus de ce genre de film. Sans oublier le final, qui revient à l’horreur pure et dure, qui aurait pu effrayer, s’il n’était pas totalement ridicule. Finalement, ce n’est pas le livre qui est maléfique, c’est ce film.

Totalement indigne de son aînée dont il est censé être le renouveau, au moins spirituel, ce Evil Dead version 2013 a de quoi faire peur, tellement il est insipide et ennuyeux. Seul la scène qui suit le générique de fin vaut le coup, mais payer sa place et attendre 1h30 pour une séquence d’environ sept secondes, ce serait absurde. Sans la poésie morbide, le génie, et l’ambiance oppressante du premier, il ne reste à ce film rien de bien intéressant, si ce n’est quelques plans assez beaux. Les amateurs d’horreurs peuvent passer leur chemin et on leur conseillera la trilogie originale, en attendant le quatrième opus. Pour ceux qui préfèrent les films récents, dans le genre horreur malsain, on conseille Martyrs, de Pascal Laugier, et dans le genre horreur dégueulasse mais avec de l’humour, on suggère La Cabane dans les Bois, de Drew Goddard. Une chose est sure, on vous déconseille fortement d’aller voir Evil Dead, film d’horreur pensé et conçu pour ceux qui n’en regardent pas.

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Bonjour à vous deux ! Le film est parfois grossier, jamais vulgaire! Comment avez-vous fait pour concilier l’univers d’Alain Chabat et le vôtre, et comment savoir ne pas aller trop loin ?

Anthony Marciano : Evidemment, je suis fan des Nuls, de La Cité de la Peur et de ce qui a suivi, Didier … Quant on a va chercher Alain Chabat, c’est pour trouver un grand enfant qui a 50 ans mais qui veut rester  un gosse, mais surtout on imaginait que lui dans ce rôle là. Pour les limites, on ne s’est pas fixé de barrière, c’est notre humour qu’on a mis sur notre papier, avec une co-histoire tendre et qui est sincère de notre part. On y glisse dedans nos scènes de comédie, on n’a rien coupé ni censuré, on nous a laissé libre choix. Bien sûr il y a eu des conseils et des recommandations, mais on n’a pas été bridé.

A l’écriture, l’équilibre entre la comédie et le côté plus tendre s’est vite trouvé ou a-t’il fallu batailler longtemps ?

A.M : Oui bien sûr ! On vient de la scène et la question se pose là. A la base, c’est une comédie, on aime faire rire.. Et on s’est rendu compte qu’on ne pouvait pas le faire gratuitement, et c’est en créant nos personnages que l’aspect romantique est arrivé. Notre plus grosse galère dans l’écriture du scénario, c’était évidemment de trouver l’équilibre, il n’y a pas de modèle pour une comédie de potes et une comédie romantique.

Ecrire un scénario à 4 mains, c’est difficile, il y a des conflits ?

A.M : Non, je pense que c’est plus facile que d’écrire seul. On a du répondant et comme c’est de la comédie, se faire rire à deux, c’est mieux ! Et puis Max va très loin dans la vanne et la godriolle, et mon rôle c’était plutôt de ramener ça à quelque chose de plus terre à terre.

Quand on voit votre film, on discerne différentes références à des comédies ?

A.M : On n’a  pas cherché à calquer quoi que ce soit. Moi je suis un grand fan de Woody Alen, et le truc en commun , c’est la sincérité et la spontanéité des personnages. C’est ça que je trouve intéressant dans la mise en scène. Dans le registre, moi je me sens plus proche d’Apatow que des Farrelly par exemple. On ne sort pas des scènes dans l’humour absurde, mais plutôt dans la réalité et des gags qui viennent.

Vous vous retrouvez dans le personnage de Gilbert ?

A.C : Je me retrouve dans le batteur qui est en moi. Je comprends. J’ai fait mes crises d’ados et diverses, mais je me sens pas frustré comme le personnage dans le film, qui lui a le sentiment d’être passé à côté de quelque chose dans la vie. Mais je me sens proche de l’homme à qui on donne carte blanche pour faire des conneries. Être dans le milieu artistique ça aide, faire un boulot qui te passionne. On fait des trucs de cours de récré.

C’est le rire qui vous fait sortir de votre tanière ?

A.C : L’argent ? *rire* Non mais sur ce film là, c’est l’écriture qui m’a parlé et la rencontre. A la lecture du script, cela m’a fait rire, et cela m’a déjà fait du bien. L’histoire avançait bien et l’histoire d’amour entre Max Boublil et Mélanie Bernier aussi, il y a du coeur. Le film est plus intéressant en passant par cette dimension romantique. Il est évident que si à la rencontre d’Anthony et de Max cela ne passait pas, cela m’aurait refroidi, et je n’aurais pas accepté. J’étais content d’aller sur le tournage, c’est super comme sentiment.

A.M : Dès le début, on imaginait Alain en faisant les phrases de Gilbert. Sans l’accord d’Alain, on n’aurait pas fait le film, c’est sûr !

Aviez-vous d’autres idées en terme de casting ? Sandrine Kiberlain était-elle un premier choix pour jouer l’épouse de Gilbert ?

A.M : Sandrine je la trouvais trop jeune, car je m’étais mis des barrières dans ma tête. Mais Alain m’a dit qu’il aimerait bien jouer avec elle. On l’a rencontrée pour la lecture, et le couple marchait tellement bien qu’on a dit « allez on y va ! ». Puis en réalité oui elle est trop jeune pour avoir une fille de 25/30 ans, mais ça fonctionne, et c’est le principal ! Alain l’avait captée comme une femme drôle, mais moi je la classais plutôt dans les films intellectuels.

A.C : Je n’avais jamais tourné avec elle. Je la connaissais que par son travail, je la trouve déjà très variée dans ses rôles et ce qu’elle apporte à chaque fois. Le truc qui m’a fait basculer, c’est son rôle dans les Infidèles, et cela m’a fait vraiment beaucoup beaucoup rire.

Alain, avez-vous fait preuve de retenue sur la réalisation ?

A.C : J’ai réalisé le film plus que lui *rire* Non non pas du tout. On a parlé du scénario et quand il me racontait comment il voyait les scènes, cela coulait de source …

A.M : Normalement, je ne devais pas réaliser le film, au mieux le co-réaliser. C’est Alain qui m’a motivé pour le faire.

A.C : Les réalisations entre frères ça marche, mais les amis non. Car on se tourne toujours vers une personne, et l’autre réalisateur ne suit plus, et sa vision est mise à l’écart.

A.M : D’ailleurs les films entre amis ça n’a pas marché, Intouchables par exemple *rire*

Vous pouvez retrouver le film Les Gamins en salle depuis le 24 avril, foncez-y, c’est sûrement la comédie française de ce début d’année !

Propos receuillis en collaboration avec Régis Dulas pour Les rendez-vous cinéma.com et Grégory Marouzé pour Lille la nuit.com

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